دانشگاه سوره دانشکده هنر پایان نامه تحصیلی در مقطع کارشناسی ارشد نمایش گرایش ادبیات نمایشی

۳-۲ برشت، پیسکاتور، میرهولد     ۵۲
۲-۳-۳ سیر تطور امر سوبژکتیو و ابژکتیو     ۶۰
فصل سوم:  سینما و زمینه های پیدایش تکنیک فاصله گذاری در آن **    ۶۸
۳-۱ آشنائی زدائی و سینما **     ۶۹
۳-۲ ورود تکنیک فاصله گذاری به سینما      ۷۱
۳-۳  افشاگرایی و سینما *    ۷۳
۳-۴ روایت فرمالیستی و سینما      ۷۵
۳-۵ برتولت برشت و سینما **     ۷۸
۳-۶ فاصله گذاری، سینما و نئو رئالیسم **   ۷۹
۳-۷ فاصله گذاری، سینما و موج نو *    ۸۶
۳-۸ تکنیک و ضدساختار *   ۸۹
فصل چهارم: چگونگی ظهور و تبیین تکنیک فاصله گذاری در سینمای دهه ی هفتاد
 میلادی و بعد از آن     ۹۳
۴-۱ تاثیرات فرایندهای اجتماعی بر سینمای دهه ی هفتاد به بعد *    ۹۵
۴-۱-۱ استودیوهای فیلمسازی و آشنائی زدائی در فیلم هایشان *   ۹۶
۴-۱-۲ درونمایه های فیلم های انتقادی دهه ی هفتاد به بعد     ۹۸
۴-۲ بررسی تکنیک فاصله گذاری در پنج فیلم **    ۱۰۹
۴-۲-۱ آنی هال     ۱۰۹
۴-۲-۲ از نفس افتاده     ۱۱۷
۴-۲-۳ داگ ویل    ۱۲۴
۴-۲-۴ مسافران    ۱۳۰
۴-۲-۵ مغول ها     ۱۳۳
فصل پنجم: فاصله گذاری در سینما و تاثیرات آن بر مخاطب *   ۱۳۶
۵-۱ مخاطب و فرایند ادراک اثر هنری *  ۱۳۷
۵-۲ آگستو بوآل و رویکردی نوین به تکنیک فاصله گذاری **   ۱۴۰
۵-۳ کارکرد فاصله گذاری در سینما    ۱۴۳
۵-۳-۱ سینمای مدرن؛ گسستن از سنت ها    ۱۴۳
۵-۳-۲ سینمای پست مدرن و تکنیک فاصله گذاری *   ۱۴۸
نتیجه گیری   ۱۵۲
پیشنهادات و راهکارها   ۱۵۴
پروژه ی عملی «نمایشنامه ی خون بی گناهان»    ۱۵۶
فهرست منابع و مآخذ   ۱۹۳
ضمیمه: مقاله ی برتولت برشت و سینما نوشته ی پرویز جاهد * ۱۹۶

 

مقدمه
از هنگامی که “برتولت برشت”[۱] آلمانی به عنوان یک نمایشنامه‌ نویس، کارگردان، شاعر و نظریه‌ پرداز در ایران شناخته شده همواره یکی از بحث ‌انگیزترین و

 پرخواننده‌ترین نویسندگان طی این چند دهه اخیر بوده است. در هر دهه‌ای آثار برشت را با انگیزه‌های مختلف خوانده‌، تفسیر و اجرا کرده‌اند، گاه به عنوان نویسنده‌ای سیاسی و متعهد، گاه به عنوان نظریه‌ پردازی پیشرو و گاه سعی کرده‌اند صبغه‌ای شرقی و حتی ایرانی در آثار او بیابند، اما به دلایل زیادی همچون برخی جنبه‌های متناقض در آثار و نظرات وی، یا به دلیل بدفهمی‌ها و کج‌فهمی‌هایی که در مورد آثار وی وجود داشته است همواره بخش‌هایی از دیدگاه‌های وی مبهم و ناقص مانده‌اند.

یکی از مهم‌ترین نظریاتی که برشت در طول دوران کاری اش بر آن تأکید داشته و آن را تکامل ‌بخشیده نظریه  “فاصله گذاری”[۲]  است که در ایران تحت عناوینی همچون “بیگانه‌ سازی” هم ترجمه شده است، که معادل به جایی نیست.
آنچه که از فهم این نظریه به شکل غالب در ایران رایج است بیرون آمدن بازیگر از قالب نقش و گفت‌ و گو یا روایت رو در رو با تماشاگر است، بدین معنا که تمامی نظریه برشت به تکنیک قدیمی کنار ‌گویی تقلیل می‌یابد که از تکنیک‌های قدیمی و غالب در تئاترهای یونان، روم باستان ودوره شکسپیر است و آن را به وفور می‌توانیم در آثار “آریستوفان” یا “پلوتوس” باز یابیم.
هرچند دو مفهوم همذات‌پنداری و فاصله گذاری در ظاهر امر دو مفهوم متضاد به نظر می‌رسند و حتی خود برشت در نوشته‌های مختلف این دو مفهوم را در مقابل هم قرار می‌دهد اما این بدان معنا نیست که بازیگران تئاتر برشت تماشاگر را با خود همراه نمی‌کنند و سعی در باور داشتن شخصیت از سوی تماشاگر ندارند بلکه بدین معناست که در اوج این همراهی و در لحظه‌ای که قرار است اوج غلیانات حسی بازیگر و به تبع آن تماشاگر رخ دهد این وضعیت شکسته شود و بدین ترتیب مخاطب به جای

مطلب دیگر :

اهمیت تغذیه ی خوب برای ورزشکاران | بیماری - سایت فروش فایل

 غرق شدن در احساسات به فکر واداشته شود و این بخشی از دیالکتیکی است که برشت در مفهوم فاصله گذاری بر آن تأکید دارد، چنان که خود در تبیین مفاهیم دیالکتیکی  در فاصله گذاری، آن را نقد و استغراق (به معنی غرق شدن در نقش) در یک “آن” می‌داند. از دیدگاه برشت این دوگانگی، فاصله گذاری را به وجود می‌آورد. این دوگانگی که برشت مدنظر دارد غرق شدن در نقش را نفی می‌کند اما در عین حال بر عواطف تأکید دارد.

پس نکته مهم در تکنیک فاصله گذاری عدم گرایش به بازی تصنعی است. بازیگر در این تکنیک با وجود آن که از ژست استفاده می‌کند اما به تصنیع نمی‌گراید و با وجود آن که بازیش بیرونی است از شخصیت‌پردازی نیز غافل نیست.
عامل مهم و پیچیده در فاصله گذاری برشت نشان دادن این دوگانگی و تضاد دیالکتیکی ظریف است. “فاصله گذاری” یک سیستم است. سیستمی که کاربرد و هدف خاصی دارد. هدف فاصله گذاری، نشان دادن مسائل به‌گونه‌ای دیگر، برای شناخت بیشتر و بهتر است، تغییر دادن دیدگاه مخاطب برای رسیدن به شناختی درست، نسبت به یک پدیده است! فاصله گذاری، مخاطب را نسبت به شناخت‌ هایش از جهان بیگانه می‌ سازد، آن را از او دور و به تبع آن آشنایی زدایی می‌کند. تا به دید دقیق تر و شناخت نسبتا درست‌ تری، ‌نسبت به جهان پیرامون خود برسد.
برشت، برای دوری از همذات‌پنداری، درست برعکس عقاید ارسطو عمل می کند. نمایش‌نامه‌های روایی او، بیشتر در گذشته‌ای دور اتفاق می افتادند. از سویی یکی از عناصر اصلی، در متن‌های برشت، استفاده از عنصر شعر بود. برشت، مدام، از شعراستفاده می‌کرد. در جای جای متن‌هایش، شخصیت‌های نمایشی او، به جای آن‌که دیالوگ بگویند (و فضای واقعی نمایش‌نامه را حفظ کنند) از فضا، خارج شده و شعر می‌خواندند. شعر خواندن آنها باعث فاصله می‌شد. جدایی متن از واقعه.
همین استفاده از عنصر شعر، در متن‌های برشت، باعث می‌شد تا بیننده، بداند که در حال دیدن تئاتر است. اما لازم به ذکر است که برشت هرگز به رابطه ای عمیق و درونی با سینما دست نیافت و هیچگاه آن را به اندازه ی تئاتر جدی نگرفت. در ضمیمه ی این رساله مقاله ی جامعی به منظور بسط این مبحث برای خوانندگان گرامی گنجانده شده که در راستای هدف این پژوهش است.
حال در این رساله هدف بر این است تا با تکیه بر سوالات و فرضیه های ذیل نظریه هایی که برتولت برشت داعیه دار آن بوده را در سینمای دهه هفتاد به بعد جهان بررسی و به راهکاری اجرایی برای برشمردن ویژگی های آن پرداخته شود.
برخی از سئوالاتی که در این بحث مطرح می شوند عبارتند از:
۱- آیا عنصر تکنیکال “فاصله گذاری” در سینما می تواند حامل همان کاربرد و هدفی باشد که در تئاتر بوده است؟
۲- آیا نحوه ی استفاده از این تکنیک تئاتری در زمان معاصر نسبت به زمان گذشته تفاوت های بارزی کرده است؟
۳- آیا می توان اصولی را جهت تبیین چگونگی اجرای این تکنیک بوسیله ی مدیوم سینما عنوان نمود؟
۴- تکنیک “فاصله گذاری” چگونه بر مخاطبان تئاتر و سینما تاثیر می گذارد؟
فرضیه هایی که این رساله سعی در اثبات آنها دارد عبارتند از:
۱- تکنیک هایی که به منظور “فاصله گذاری” در فیلم به کار می روند، توانایی ایجاد تاثیر مورد نظر را بر مخاطب دارند.
۲- بدیهی است که نحوه تاثیرگذاری تکنیک “فاصله گذاری” بر مخاطب تئاتر که مدیومی دوسویه است از سینما که مدیومی تک سویه است متفاوت است.
۳- سینما به عنوان هنری متاخر، از تمامی هنرهای پیش از خود تاثیر پذیرفته است، که تئاتر بارزترین آنهاست. می توان اظهار کرد همانگونه که تئاتر با تکنیک “فاصله گذاری” بر سینما تاثیر گذاشته، سینما نیز تاثیرات متقابلی پس از استفاده از این تکنیک بر تئاتر داشته است.
۴- حین استفاده از تکنیک “فاصله گذاری” در تئاتر، ‌مخاطبان نقش تعیین کننده ای بر روند اجرا ایفا می کنند که برای مخاطبان سینما این روند نا ممکن به نظر می رسد.
نگارنده با در نظر گرفتن پایان نامه نظری تحت عنوان «کاربرد “فاصله گذاری” به مثابه یک تکنیک تئاتری در سینمای دهه هفتاد به بعد» سعی نموده تا در راستای مطالعات پژوهشی اش با نگارش نمایشنامه ای تحت عنوان «خون بی گناهان» ذره ای از آنچه را که فرا گرفته است به شکل عملی ارائه دهد. امید که در باز نماییِ تئوری های “برتولت برشت” پیرو

واحد تهران مرکز دانشکده هنر و معماری، گروه : نقاشی پایان نامه برای دریافت درجه کارشناسی ارشد در رشته ...

۵-۱ رئالیسم در ایران .۵۵
۵-۲ هنرمندان رئالیست از ۱۹۷۰ تا اکنون .۶۰
۵-۲-۱ معصومه مظفری . ۶۱
۵-۲-۲ شهره مهران . ۷۷
۵-۲-۳ احمد مرشدلو ۹۷
۵-۲-۴ مهرداد محب علی .۱۱۲
۵-۲-۵ امین نورانی ۱۳۱
فصل ششم: رئالیسم در امریکا
۶-۱ رئالیسم در امریکا .۱۴۹
۶-۲ هنرمندان رئالیست از ۱۹۷۰ تا کنون .۱۵۰
۶-۲-۱ اندرو وایت ۱۵۱
۶-۲-۲ پرل استاین ۱۶۹
۶-۲-۳ سیدنی گودمن .۱۸۷
۶-۲-۴ اریک فیشل .۱۹۸
۶-۲-۵ جک بیل .۲۰۵
فصل هفتم: نتیجه گیری
۷-۱ نتیجه گیری . ۲۱۳
فهرست منابع فارسی ۲۲۲
فهرست منابع انگلیسی ۲۲۴
چکیده انگلیسی ۲۲۵
بیان مساله :
یکی از دلایلی که باعث اهمیت توجه به رئالیسم می شود محوریت انسان در بسیاری ازآثار رئالیستی در عصری که ما نیازمند توجه زیاد به شرایط انسان معاصر داریم.رئالیسم همواره همراه با سایر جنبشها و سبکهای هنری و ابزار جدید تجسمی، به انسان و دغدغه هایش بسیار پرداخته است. در رئالیسم امروز، با وجود عکس، نقاش با القاء ابن مطلب که ارائه صرف تصویر به صورت استادانه، نمودی از واقعیت مطمئن و کامل نیست سعی می کند انسان را در فهم و ادراک اثر هنری مشارکت دهد.

 نقاشی رئالیستی نمی تواند تنها تقلیدی عکس گونه از جهان باشد بدون اینکه ذهن نقاش در آن تاثیر بگذارد.

گرایش فیگوراتیو در هنر ایران هرچند با اوج و فرودهایی همراه بوده است و گه گاه در قالبهای محتوایی و سبکی و مفهومی متفاوت نمود یافته است، ولی همواره از طرف گروهی از هنرمندان و علاقمندان مورد توجه قرار گرفته است. نقاشی رئالیستی در ایران بی تاثیر از غرب نمی باشد ولی به نظر می رسد نقاشی رئالیستی با دردست داشتن زبانی آشنا که همانا بازنمایی است، توانسته به خوبی با مخاطب ارتباط برقرار کند. این آثار نماینده افکار و عادات و روش های زندگی است که هنرمند با آنها رشد کرده است. از این روز می تواند با توجه به جنبه های فلسفی و روانشناختی، بر افکار و اندیشه مردم تاثیر بگذارد و آن را از تعریف بازنمایی صرف برهاند.
فرهنگ امریکایی در دوران معاصر گرایش زیادی به هنر رئالیستی پیدا کرده است و هنرمندان شاخصی را در این زمینه می توان یافت که توجه بسیاری از آنها به فیگور انسان در آثارشان حایز اهمیت است.

مطلب دیگر :

روش انتقال اعتبار بین سیم کارت‌های رایتل - مرکز آموزش علمی-کاربردی کاویان

هدف این تحقیق بررسی تاریخچه هنر رئالیسم، چگونگی رویکرد دوباره هنرمندان معاصربه رئالیسم و نقش فیگور انسانی در آثار رئالیستی چند تن از هنرمندان معاصرایران وامریکا می باشد. با بررسی این آثار از دو فرهنگ متفاوت تاثیر اجتماع، فرهنگ، مذهب و خیلی از عوامل دیگر در هنرمند رئالیست مشخص می شود و این خود وجه تمایز بارزی خواهد بود بین آثار ناتورالیستی و رئالیستی .

هدفهای تحقیق :

  • علل پیدایش و رشد رئالیسم و مسائل فرهنگی اجتماعی آن.
  • بررسی و شناخت رویکرد دوباره ی هنر به رئالیسم
  • مطالعه و تحقیق پیشینه فیگور انسان در نقاشی های معاصر رئالیستی
  • معرفی هنرمندان رئالیست امروز ایران و امریکا
  • مطالعه تطبیقی نگاه هنرمندان ایران و امریکا به فیگورانسانی در نقاشی های رئالیستی

اهمیت موضوع تحقیق و دلایل انتخاب آن :
هنرمندان رئالیست، به بیان واقعیات جامعه عصر خود می پردازند در حالی که هنرمندان پیش از پیدایش رئالیسم به احساسات درونی شخصی خود می پرداختند. یکی از دلایل من برای انتخاب این موضوع وجود ارتباط تنگاتنگ میان رئالیسم و جامعه است که هنوز هم می تواند به عنوان پل ارتباطی قدرتمندی میان هنرمند و جامعه عصر حاضر محسوب شود .و دیگری ، تلاش برای شناخت بهتر این رویکرد با تاکید بر نقش کلیدی فیگور انسانی در آثار رئالیستی می باشد. از آنجایی که آثارم تابع این جنبش می باشد، بدیهی است این پژوهش هم برای من و هم برای سایر هنرمندان علاقمند مفید خواهد بود.
سوالات یا فرضیه های تحقیق:
فرضیات:

  • فرهنگ امریکایی در دوران معاصر گرایش زیادی نسبت  به هنر رئالیستی دارند.
  • عکاسی نقش مهمی در به وجود آمدن رئالیسم همچنین رئالیسم نوین داشته و دارد.
  • فیگور انسانی در آثار نقاشان رئالیست نو به خوبی برجسته و نمایان است.

سوالات:

  • رویکرد فرهنگهای ایرانی و امریکایی نسبت به رئالیسم چگونه است؟
  • عوامل موثر در رویکرد هنر نو به رئالیسم چیست؟
  • نگرش و بکاربستن فیگور انسانی درآثار رئالیستی امروز نقاشان ایرانی و امریکایی چگونه است؟

پایان نامه هنر عنوان : بررسی تأثیر هنر سفالگری، روی خلاقیت دانش­ آموزان ابتدایی مقدمه

پایان نامه رشته : هنر

 

عنوان :  بررسی تأثیر هنر سفالگری، روی خلاقیت دانش­ آموزان ابتدایی

دانشگاه آزاد اسلامی

 

پایان نامه هنر

 

عنوان :

 

 بررسی تأثیر هنر سفالگری، روی خلاقیت دانش­ آموزان ابتدایی

مقدمه
کودک به عنوان منبع خلاقیت، بازآفرینی و منبع اساسی سرزندگی به شمار می­رود. بیشتر خلاقیت­ها به ویژه در زمینه هنرها، جانشینی برای بازی کودکی و ادامه آن است. جایی که کودک ابراز وجود می­ کند. در مجموع کودک یگانه منبع خلاقیت، سرگرمی، تولید و یگانه منبع نوسازی زندگی است.
تخیل و خیال­پردازی در دنیای کودک به گونه­ها و اشکال مختلف صورت می­گیرد. چنان که گاه زندگی کودکان بین واقعیت و خیال نوسان دارد. تخیل با گذشت سن کودک نیز تغییراتی می­ کند. ذهن موقع تخیل روابط تازه­ای ایجاد می­ کند. در واقع تخیل پایه خلاقیت ذهنی به شمار می­رود.
یکی از مهمترین و اساسی­ترین ویژگی­های انسان که موجب تمایز و برتری وی از دیگر موجودات می­شود، اندیشه­ی خلاق است. قابلیتی که می­توان  آن را در تمامی ابعاد زندگی انسان مشاهده کرد. در سال­های اخیر هم در مراکز پژوهشی و هم در محافل تربیتی مفهوم آفرینندگی و ویژگی­های آفریننده بیشتر مورد بحث و بررسی قرار می­گیرد. بی­تردید پرورش خلاقیت یکی از مهمترین هدف­های آموزش و پرورش به شمار می­رود. شایان ذکر است که خلاقیت، قابلیتی است که در همگان وجود دارد اما نیازمند پرورش و تقویت می­باشد.


شناخت استعداد خلاق در افراد و بهره­ گیری از آن، همواره یکی از اهداف بشر در همه دوران­ها بوده است، چرا که نیروی خلاقه برای ادامه حیات انسان فواید فراوانی دارد. مسئله خلاقیت همواره یکی از مهمترین مسائل در حوزه روان­شناسی و همچنین هنر است، چرا که خلاقیت و هنر، دو عنصر جدا نشدنی بوده و لازم و ملزوم هم می­باشند. غنای هنری، موسیقی، نمایشنامه­ها، ادبیات و شعر نتیجه خلاقیت هنری است. بنابراین مهم است که به این نکته پی ببریم که خلاقیت چگونه شکل می­گیرد و هدایت می­شود، تا نتیجه مطلوب را در برداشته باشد.
پژوهش حاضر نیز با هدف رسیدن به این نکته و این که هنر سفالگری به چه میزان می ­تواند در خلاقیت مؤثر باشد، شکل گرفت.

برای شروع، ابتدا به بررسی موضوع پرداخته شد و کار با بیان مسئله و اهمیت و ضرورت موضوع مورد پژوهش مطرح گردید. با طرح بیان مسئله و اهمیت موضوع در  فصل اول و همچنین  پیشینه تحقیق و تعاریفی از تحقیق، در واقع  یک چهارچوب کلی برای رسیدن به اهداف این پژوهش در نظر گرفته شد.
فصل دوم به مروری بر ادبیات تحقیق در دو بخش مبانی خلاقیت و سفالگری به عنوان راه­کاری بر خلاقیت اختصاص یافت. در بخش اول تعاریف و نظریه­ های مختلفی که از خلاقیت وجود دارد بیان شد، سپس به بحث خلاقیت هنری به عنوان موضوعی که مورد نظر اکثر هنرمندان است پرداخته شد، علاوه بر عوامل فوق، اجزاء خلاقیت، رابطه هوش با خلاقیت، امکان آموزش و اکتسابی بودن آن، نیز بیان گردید. در بخش دوم، به معرفی هنر سفالگری به عنوان راه­کاری بر خلاقیت پرداخته می­شود. همچنین به بیان شاخصه­ها و قابلیت­­های موجود در گِل برای کار کودک و ارتباط روانی که گِل می ­تواند با دانش ­آموز بر قرار کند، پرداخته می­شود.

مطلب دیگر :

متن پایان نامه : اجرای عین تعهد


در فصل سوم، جامعه آماری مورد پژوهش مطرح گردیده است. همچنین به معرفی ابزارهای اندازه ­گیری خلاقیت که شامل آزمون خلاقیت تورنس و آزمون هوش ریون و همین­طور مراحل انجام آموزش سفال با دانش­ آموزان، پرداخته شد.
فصل چهارم به تجزیه و تحلیل داده­ ها اختصاص یافت و کار وارد مرحله آماری گردید، به این صورت که داده ­هایی که در مراحل آزمون­های مختلف از دانش­ آموزان به دست آمد به کمک نرم افزار spss مورد بررسی و تحلیل قرار گرفت و به توصیف داده­ ها پرداخته شد.
فصل پنجم اختصاص به پروژه عملی یافت. در این بخش سعی برآن شد که با طراحی و ساخت فضایی خلاقانه برای کودکان در ایجاد خلاقیت به آنان کمک کرده و همچنین تأکید بر این امر شود که محیط در خلاقیت مؤثر است.
در فصل ششم، به بحث و نتیجه ­گیری از فرضیه ­های تحقیق و همچنین پیشنهادهای مطرح شده در این باب و بیان محدودیت­های پژوهش اختصاص یافت تا خواننده بتواند به درک جامعی از این پژوهش دست یابد.

استعداد، مسأله­ایی موروثی است. مهم این است که با استعداد  خود چه می کنید.
     مارتین ریت

۱-۱-بیان مسئله
خلاقیت واژه­ای است که این روزها بسیار مورد توجه اندیشمندان علوم رفتاری و هنری است. بسیاری از والدین در پی یافتن راه­هایی هستند که خلاقیت کودک­شان را بارور و شکوفا سازند. نکته مهم پیش از رسیدن به این هدف یعنی رشد خلاقیت، داشتن اطلاعات جامع از کودکان و تحلیل آن است. چون کار با کودک برای بسیاری از افراد جامعه امری ساده و پیش پا افتاده به نظر می­رسد. برای ایجاد تفکر خلاق در کودک، باید، مربی خلاق باشد، تا بتواند از وسایل و ابزار به درستی استفاده نماید. می­توان با داشتن کمترین ابزار، بیشترین بهره آموزشی را برد. یکی از این ابزارها و وسایل که می ­تواند راه رسیدن به ایجاد خلاقیت را در کودکان بهبود بخشد، هنر سفالگری است. از آنجا که گِل از مواد موجود در طبیعت می­باشد و خلاقیت هم به صورت فطری در همه انسان­ها وجود دارد پس لازمه آن ایجاد بستری مناسب جهت شکوفایی هر چه بیشتر خلاقیت دانش­آموز است.
بررسی­ها نشان می­ دهند که مطالعات صورت گرفته در زمینه خلاقیت، اغلب در حوزه روان­شناسی و تکنیک­های پرورش خلاقیت بوده و در مورد تأثیرات هنر، به خصوص هنر سفالگری بر خلاقیت کودکان و دانش­ آموزان پژوهشی صورت نگرفته یا کمتر صورت گرفته است و نیاز به تحقیق بیشتر در این حیطه احساس می­شود.

۱-۲- پیشینه تحقیق
در باب موضوع تأثیر هنر سفالگری بر میزان خلاقیت دانش­ آموزان مقطع ابتدایی، به صورت مستقیم تحقیق یا پژوهشی یافت نشد، اما عناوینی از کتاب­ها و پایان نامه ­ها و مقالات  که در ارتباط با موضوع خلاقیت و خلاقیت هنری بود پیدا شد که بدین شرح است؛ کتاب”ماهیت خلاقیت و شیوه ­های پرورش آن ” اثر افضل السادات حسینی، کتاب “پرورش خلاقیت در کودکان”  اثر ترزا آمابیل[۱] (ترجمه حسن قاسم زاده)، همین­طور کتاب “هنر، علم، خلاقیت”اثر جورج اف نلر(ترجمه سید علی اصغر مسدد)، همچنین دو مقاله با عناوین “تأثیر هنر بر خلاقیت کودکان و نوجوانان در آینده” توسط سحر اصلانی و همین­طور “توصیف محدودیت­ها و روش­های ایجاد خلاقیت” توسط جلیل باباپور یافت شد. تحقیقات انجام یافته در مورد خلاقیت شاید به قبل از دهه ۱۹۵۰ برسد. تعداد اندکی از افراد موفق شدند، راه را برای تحقیقات تجربی وایجاد برنامه ­هایی جهت پرورش استعدادهای خلاق هموار سازند. در خلال سال­های دهه پنجاه، فعالیت­هایی مربوط به کارهای خلاق، افزایش چشمگیری یافت. آمابیل در ۱۹۷۹، همبستگی مثبت بین انگیزش و خلاقیت را در نمونه مورد بررسی خود گزارش می­ کند(حجتی،۱۰:۱۳۷۵). از سایر محققانی که در زمینه خلاقیت فعالیت داشته اند و می­توان به نظرات آنان استناد کرد می­توان به گیلفورد[۲] و تورنس[۳] نیز اشاره داشت.
از کسانی که در زمینه خلاقیت هنری کتاب و مقاله داشته اند­، می­توان به تسلیمی(۱۳۸۵) اشاره نمود که معتقداست؛ خلاقیت هنری را می­توان در تمامی ابعاد و نگرش­های مختلف انسان باز شناخت، همچنین آنا اولیوریوفراری[۴](۱۳۷۳) نیز معتقد است خلاقیت یک طریق بودن است، او معتقد است خلاقیت هنری نیز یک آفرینش علمی است.

وزارت علوم ، تحقیقات و فناوری دانشگاه سوره دانشکده موسیقی پایان نامه تحصیلی در مقطع کارشناسی ...

نگاهی به فرم‌ سونات:
طرح کلی این فرم را می توان به شکل زیر ترسیم نمود:
البته این طرح فقط یک طرح کلی از موومان اول است و رعایت این شکل به‌ عنوان یک اصل ثابت ضرورتی ندارد. در‌ تعریف کلاسیک سونات فرمی مبتنی بر تقابل دو تم است که در اولین بیان هم از لحاظ تماتیک و هم از لحاظ تنال (تم ۱ در تنالیته اصلی و تم ۲ درتنالیته فرعی) دارای کنتراست هستند و پس از دولوپمان، هردو درتنالیته اصلی تکرار میشوند. درنمونه های قدیمی‌تر، تکرار بخش‌ها شبیه به تکرار در فرم سه تایی ساده دیده می‌شود، مثلا:
اغلب فقط اکسپوزیسیون تکرار می‌شود و در بسیاری از موارد نیز تکرار وجود ندارد. کنتراست بین تم‌ها (از هر نوعی که باشد)، یکی از اصلی‌ترین نیروهای محرک در فرم سونات است. لفظ سونات ممکن است به یک قطعه چند موومانی یا فرم یک موومان خاص از قطعه (معمولا موومان اول و آخر) اطلاق شود.
در اغلب سمفونی‌ها وکنسرتوهای سازی دست کم موومان اول به فرم سونات است و می‌توان چنین پنداشت که این فرم مظهر تقارن و توازن درتاریخ پرشکوه موسیقی کلاسیک است. می‌توان گفت فرم سونات در نظر مردم دوره کلاسیک و بعدتر دارای همان اهمیتی است که فرم فوگ در نظر مردم اوایل قرن ۱۸ بوده است. البته سونات در زمان باخ و هایدن اغلب کلمه ای بود که در مقابل کانتاتا[۱] قرار می‌گرفت یعنی سونات قطعه‌ای بود برای نواختن با ساز و کانتات قطعه‌ای بود برای آواز. می‌گویند فرم سونات از ابتکارات کارل فیلیپ امانوئل باخ پسر بزرگ باخ می‌باشد که بعداً توسط موتسارت و هایدن به کمال رسید.
بطور کلی فرم سونات معمولاً برای مومان اول یک سونات (به مفهوم قطعه بزرگ چند موومانی)، کوارتت زهی، سمفونی یا هر اثر دیگری که دارای اهمیت مشابهی باشد به کار گرفته می‌شود. به عقیده برخی فرم سونات از فرم دوتایی ریشه گرفته و رشد کرده ولی به محض این‌که توانسته رشد کافی بکند و به عنوان یک فرم مستقل و قابل تشخیص درآید دارای سه قسمت متمایز و برجسته شده است که طبق سنت کلاسیک به این صورت است:
قسمت نمایش سوژه‌ها (اکسپوزیسیون[۲]) :
که در لغت به معنی عرضه، ارائه و نمایش است و شامل ارائه تم اول یا گروه تم اول در تنالیته تونیک است که در پی آن پاساژهای انتقالی تم اول را به تم دوم وصل می کنند و فضایی برای ارائه تم دوم که بیشتر حالت لیریک و تغزلی دارد و معمولاً در تنالیته نمایان یا ماژور نسبی است را مهیا می‌سازد. اولین حوزه تنال حاوی مواد تماتیک اصلی موومان است. مواد تماتیک بطور مشخص و کامل ایده‌های ملودیکی را معرفی می‌کند که طرح و ریتم آنها برجسته و به آسانی قابل تشخیص است. اولین حوزه تنال ممکن است به یک کادنس کامل منتهی شود یا بدون توقف به یک عبارت انتقالی هدایت شود. رابط یک عبارت معمولاً مدولاسیون کننده است که به دومین حوزه تنال راه می‌گشاید.
هرچه فرم سونات کامل‌تر و پخته‌تر شد نقش‌های متعدد دیگری به رابط محول گردید. رابط ممکن است بصورت واضح و مستقیم به تنالیته جدید مدولاسیون کند یا اینکه ممکن است تنالیته مورد هدفش را تا لحظه آخر در ابهام قرار دهد یا اینکه حتی اصلا مدولاسیون نکند. درهرحال، رابط همیشه فاقد استحکام اولین حوزه تنال است. اگر

 دومین حوزه تنال فقط انتقال اولین حوزه تنال باشد(تم دومی ارائه نشود)، اکسپوزیسیون مونوتماتیک نامیده می‌شود. هایدن آهنگسازی است که نوشتن اکسپوزیسیون‌های مونوتماتیک را پایه گذاری کرد. در بسیاری از اوقات قبل از نمود تم یا گروه‌های تمی اول،  بخشی بعنوان مقدمه می‌آید یا گاهی بخشی کوتاه‌تر بعنوان ماتریال مقدماتی آورده می‌شود.

تم دوم معمولاً با یک کادنس کامل این قسمت را در تنالیته نمایان به پایان می‌رساند و در بسیاری اوقات سرتاسر قسمت اکسپوزیسیون دوباره تکرار می‌شود. تم‌های مختلف به وسیله پاساژهای پل‌وار یا انتقالی به یکدیگر مرتبط  می‌شوند.
قسمت گسترش[۳]
این قسمت در تنالیته نمایان شروع شده و در آن موتیوها یا تم‌های معرفی شده در اکسپوزیسیون بصورت‌های جدید و با ترکیبات تازه‌ای در تنالیته‌های گوناگون گسترش می‌یابند. معمولاً مدولاسیون‌های زیادی حتی به تنالیته‌های دور نیز انجام می‌گیرد و در اواخر آن نیز به نقطه اوج هیجان (نقطه طلایی) می‌رسد. البته از عنوان بسط و گسترش برای این بخش نباید چنین پنداشت که عمل بسط و گسترش تنها در این قسمت از قطعه انجام شده و در محل دیگری انجام نمی‌گیرد بلکه بهترین نمونه‌های فرم سونات آن‌هایی هستند که گسترش ایده‌های موسیقی در جای ‌جای آنها به چشم بخورد از جمله آنها مرحله انتقال است که غالباً گسترشی از گروه سوژه اول است و نیز بخش‌های مختلفی ازگروه سوژه‌های دوم که به کرات در ارتباط با یکدیگر رشد و توسعه پیدا می‌کنند. درپایان دولوپمان موسیقی شروع به بازگشت به طرف تنالیته

مطلب دیگر :

نظریه سبب بی واسطه//پایان نامه درباره اجتماع اسباب

 اصلی می‌کند، دولوپمان معمولاً با رابط مجدد[۴] پایان می‌یابد و موسیقی، بازگشت به تنالیته اصلی را آغاز می‌کند.

قسمت نمایش مجدد سوژه ها(رپریز[۵] یا ریکاپتولاسیون[۶])
به معنی بازگشت است و در این قسمت هر دو تم (گروه‌های تمی) که در اکسپوزیسیون آمده بودند دوباره ظاهر می‌شوند با این تفاوت که این بار هر دو در تنالیته تونیک نمود پیدا می‌کنند. فرق ریکاپتولاسیون و ریتورنلو[۷] در کنسرتوهای دوره باروک در این است که در ریتورنلو تم‌های اصلی بطور واضح و بدون هیچگونه تغییری ظاهر می‌شوند و دارای مفاهیم یکسانی هستند ولی در سونات کلاسیک، قسمت ریکاپتولاسیون در هر بار تکرار دارای شکلهای نسبتا متفاوت و همراه باتغییرات دینامیکی است. چنین تضاد دیالکتیکی عوامل موسیقیایی، یکی از مهمترین اختلافات بین سبک باروک و کلاسیک است. بسیاری از موسیقی پژوهان تناظر دیالکتیکی بین اجزای سونات قائل می‌شوند به این صورت که تم یا گروه تم‌های اول را متناظر با «تز»، تم یا گروه تم‌های دوم را «آنتی‌تز» و ترکیب و تقابل آنها را «سنتز» می‌پندارند. مرحله انتقال در نمایش مجدد سوژه ها طبیعتاً متغیر است و بدیهی است که مدگردیهایش نیز جهت رسیدن به سوژه دوم در تنالیته تونیک تغییر می‌کند.
بطور کلی اگر بیان دوباره تم‌ها عیناً مانند بخش اکسپوزیسیون باشد، به آنها رپریز استاتیک (عینی) گویند و اگر تغییراتی نسبت به بار اول به چشم بخورد به آن رپریز دینامیک (با تغییر) گفته می‌شود. درمواردی هم ترتیب ارائه تم‌ها در رپریز برعکس می‌شود یعنی این بار ابتدا تم دوم (گروه سوژه‌های دوم) و سپس تم اول (گروه سوژه‌های اول) می‌آید که به این حالت رپریز آینه‌ای می‌گویند.
قسمت کدا
کدا از نظر لغوی به معنی دم است که در آغاز به منظور تقویت و تثبیت تنالیتۀ تونیک به وجود آمد. دراغلب سونات‌ها درانتهای موومان برای جمع بندی و خاتمه کدا می‌آید که با کادنس کامل در تونالیته تونیک همراه است، طول این بخش معمولاً از سایر بخش‌ها کوتاه‌تر و موجزتر است ولی مواردی نیز وجود دارد که طول کدا طولانی و حتی هم ارز سایر بخش‌هاست. به عنوان نمونه در سمفونی شماره ۳ بتهوون (اروئیکا) مجموع میزان‌های کدا به ۱۳۵ می‌رسد و در سونات پیانو اپوس ۸۱ بخش کدا با قسمت دولپمان و نمایش مجدد سوژه‌ها برابری می‌کند.
این‌ها توضیحاتی مختصر راجع به فرم سونات کلاسیک بود، اما در قرن بیستم مشکل بتوان فرم سونات را در قطعاتی که تحت عنوان سونات مطرح می‌شوند، تشخیص داد. در این دوره و بخصوص در نیمه دوم قرن بیستم این فرم تا حد زیادی آزاد و بی‌قید است و در سبک‌های موسیقی پس از۱۹۵۰ اگر به قطعه‌ای با عنوان سونات بر می‌خوریم شاید چندان نشانه ای از فرم سونات را در آن نیابیم، گویی تنها عنوان فرم سونات است که  بر پیشانی این قطعات نقش بسته و یا شاید فرم سونات تا این دوره آنقدر مستحیل شده که به این اشکال درآمده است. البته در این دوران نیز می‌توان قطعاتی را یافت که با وجود بافت موسیقیایی نوین‌شان وفادار به اصول فرمال کهن و یا حداقل دارای نزدیکی زیادی با فرم‌های کلاسیک هستند.

مختصری در مورد کنسرتو

وزارت علوم ، تحقیقات و فناوری گروه هنر پایان نامه برای دریافت کارشناسی ارشد در رشته ارتباط ...

۲-۳-۵  نقش مایه  خطی (خط نگاره).۱۵
۲-۴ تکنیک های تزیینات معماری۱۹
۲-۴-۱ آجر و سنگ۲۰
۲-۴-۲ گچ.۲۱
۲-۴-۳ کاشی و سرامیک ۲۴
۲-۴-۴ نقاشی دیواری.۲۴
فصل سوم: معرفی بنای مسجد کبود و مسجد شیخ لطف الله
۳-۱ تاریخچه تبریز.۲۶
۳-۲ شیوه معماری آذری۲۷
۳-۲-۱ بناهای سبک آذری۲۸
۳-۳ مختصری از دولت قره قویونلو۲۹
۳-۴ نقش دولت قره قویونلو در تاریخ هنر ایران۳۱
۳-۵ معماری در دوره قره قویونلو.۳۲
۳-۶ مسجد کبود.۳۳
۳-۷ بررسی نقوش مسجد کبود تبریز.۳۶
۳-۸ تاریخچه اصفهان۶۸
۳-۹ شیوه معماری اصفهانی۶۸
۳-۹-۱ بناهای سبک اصفهانی۶۸
۳- ۱۰ مختصری از دولت صفوی۷۰
۳-۱۱ نقش دولت صفوی در تاریخ هنر۷۲
۳-۱۲معماری در دوره صفوی.۷۳
۳-۱۳ مسجد شیخ لطف الله۷۴

ط

۳-۱۴ بررسی نقوش مسجد شیخ لطف الله اصفهان۷۷
  فصل چهارم: مقایسه تطبیقی مسجد کبود و مسجد شیخ لطف الله
۴-۱ مقایسه تطبیقی نقوش مسجد کبود تبریز و شیخ لطف الله اصفهان.۱۰۶
۴-۲ مقایسه تطبیقی طراحی و مصالح۱۰۸
۴-۲-۱ کاشی کاری۱۰۸
۴-۲-۲ خط و خوشنویسی۱۰۹
۴-۲-۳ آجر.۱۱۰
۴-۲-۴ سنگ.۱۱۱
۴-۲-۵ معماری و پلان۱۱۲
۴-۳ شباهت ها و تقاوت های نقوش.۱۱۳
۴-۳-۱ اسلیمی دهن اژدری.۱۱۳
۴-۳-۲ اسلیمی ماری.۱۱۳
۴-۳-۳ اسلیمی برگی.۱۱۳
۴-۳-۴ اسلیمی خرطومی.۱۱۴
۴-۳-۵ چنگ یا پیچک۱۱۵
۴-۳-۶ یایه اسلیمی و سراسلیمی.۱۱۶
۴-۳-۷ برگ.۱۱۶
۴-۳-۸  برگ مو.۱۲۱
۴-۳-۹ غنچه۱۲۱
۴-۳-۱۰ گل های گرد.۱۲۶
۴-۳-۱۱ گلبرگ.۱۲۶
۴-۳-۱۲ گل های شاه عباسی.۱۳۰
۴-۳-۱۳ گل های خاص مسجد کبود
۴-۳-۱۴ ترنج.۱۳۴
۴-۳-۱۵ قاب.۱۳۵
۴-۳-۱۶ حاشیه.۱۳۵
۴-۳-۱۷ گره چینی ۱۳۶
نتیجه گیری و پیشنهادات۱۶۶
فصل پنجم: نشانه چیست؟
۵-۱ نشانه ۱۶۲
۵-۲ نماد و نشانه در طول تاریخ۱۶۹
۵-۳ نشانه (لوگو) ۱۷۰
۵-۴ ویژگی‌های بصری نشانه۱۷۰
۵- ۵ نشان.۱۷۱
۵-۵-۱تطور نشانه از شمایل به سوی نماد۱۷۱
۵-۶ نماد ها و احساسات۱۷۱
۵ – ۷ استفاده از رنگ؛ در طراحی نشانه۱۷۱
۵-۸  انواع نشانه.۱۷۲
۵-۸-۱ نشانه ی نمایه ای indexi que .172
۵-۸-۲ نشانه شمایلی iconique .172
۵ -۸-۳ نشانه نمادین symbolique 172
۵-۸-۴ نشانه‌ تصریحی و تلویحی۱۷۲
۵-۹ اهمیت انتخاب قالب و نوع آن در طراحی آرم ۱۷۳
۵-۹-۱ انواع آرم.۱۷۳
۵-۹-۲ آرم نوشتاری logo type  ۱۷۳
۵-۹-۳ آرم شمایلی logo iconique یا    ico type .174
۵-۹-۴ آرم تلفیقی logo mixte .175
۵-۱۰ نشانه‌های ترسیمی .۱۷۵


۵-۱۱ نمادها و ارتباطات بین‌الملل .۱۷۵

۵-۱۱-۱نشانه های تجاری۱۷۶
فهرست منابع مطالعاتی.۱۷۷
پروژه عملی.۱۸۴
چکیده لاتین۱۹۰
تعریف مساله
تداوم در نقوش معماری ایرانی یک روند چند هزار ساله داشت که در هر دوره بر طبق مذهب و دین و نوع مصالح ساختمان دچار تحولاتی می شد. ولی در کل نمادهای کهن باستان و باستانی ایرانی تکرار می شد.
با ظهور مکتب تیموری و گسترش کاشی کاری در معماری این روند در دوره صفوی به نقطه اوج خود رسید. ولی دوره صفوی هم مثل سایر دوران ایران در زمینه هنر و معماری در ادامه دوران قبل از خود بود. که در این بین معماری دوره قره قویونلو (مکتب آذری) در زمینه تزیینات بیشترین تاثیر را در معماری صفوی گذاشت. در این بین

مطلب دیگر :

بایگانی‌های آموزشی - مرجع مقالات

 شباهت های بسیاری در کاشی کاری های مسجد کبود و مسجد شیخ لطف الله می توان شاهد بود.

مسجد شیخ لطف الله به عنوان گنجینه ای از تزیینات معماری در زمینه های مختلف تزیینی خط، نقوش گیاهی و هندسی و همچنین قاب بندی که در نقوش صورت می گرفت تحت تاثیر مسجد کبود بوده است. با توجه به ریشه آذربایجانی خاندان صفوی می توان گفت همانطور که قدرت گیری خاندان صفوی از آذربایجان شروع و در اصفهان به اوج رسید. در زمینه معماری نیز مکتب آذری (مسجد کبود) را در اصفهان در قالب شیخ لطف الله به اوج رساندند.
۱-۲ ضرورت و اهمیت تحقیق
با توجه به تداوم نقوش در تزیینات معماری لزوم توجه به تزیینات معماری در دوره قره قویونلو به عنوان یک پل ارتباطی بین معماری تیموری و معماری صفوی مهم به نظر می رسد که همیشه نادیده گرفته می شود. عناصر و نقش مایه های تزیینی بدیع و غنی مسجدکبود و مسجد شیخ لطف الله عاملی گردیده که هریک از این بناها در زمان خویش به شاهکار هنری دوره تاریخی خود مبدل شوند. به همین جهت توجه و مطالعه ی بصری نقوش این دو مکان که براساس هندسه و تناسبات طراحی شده این امکان را می دهد. با بررسی و بهره گرفتن از نقوش آثاری را خلق نمود که دارای ویژگی های سنتی و مذهبی باشد. با پدید آوردن چنین آثاری می توان بیشترین ارتباط را با مردم برقرار کرد که در برگیرنده صنایع هنری و دوران اسلامی ایران باشد.
۱-۳ سوالات تحقیق
سوالاتی که این پژوهش در پی پاسخگویی آنها می باشد با یک نگاه کلی عبارتند از:
– تاثیر سنت های ایرانی در شکل گیری و همانندی نقوش مسجد کبود و شیخ لطف الله چیست؟
– آیا نقوش مسجد شیخ لطف الله تحت تاثیر مسجد کبود بوده است؟
– با وجود شباهت بسیار علت تفاوت های زیاد این دو بنا ناشی از چیست؟

  ۱-۴ فرضیات تحقیق

_ معماری و نقوش دوره صفویه تحت تاتیر دوره قره قویونلوها بوده و با توجه به این که دوره صفویه در برخی موارد نیز تحت تاثیر دوره ترکان بوده که از جمله شیعه شدن را می توان ذکر کرد.
_ نقوش مسجد شیخ لطف الله از نقوش مسجد کبود الهام گرفته و تاثیر خطوط و فرم ها را در این مسجد می توان دید. به ویژه اوج شباهت را در نقوش پایه صحن مسجد کبود و نقوش طاق نمای گنبد خانه مسجد شیخ لطف الله که با زمینه نخودی رنگ است می توان دید. نقوش طاق نمای گنبد خانه برگرفته از نقوش پایه صحن مسجد کبود است. ولی این دو بنا دارای تفاوت هایی نیز می باشند.
_ تفاوت های موجود در این دو بنا را می توان با این فرض بیان نمود یکی بعد زمانی نزدیک به۱۵۰ سال که بین ساخت این دو مسجد می باشد. نیز توجه به این که دو بنا در دو ناحیه مختلف آب و هوایی ساخته شده اند. همچنین مکتب های هنری موجود در این شهرها بی تاثیر نبوده، نکته قابل توجه این  است که هنر اصفهان ریشه در مکتب سلجوقی دارد و هنر تبریز به هنر ایلخانیان برمی گردد.
۱-۵ اهداف تحقیق
هدف اصلی که این پژوهش دنبال می کند عبارتند از:
_ بررسی و تطبیق نقوش دو بنای  تاریخی مسجد کبود تبریز و مسجد شیخ لطف الله اصفهان.
_شناخت قابلیت های گرافیکی نقوش و رسیدن به آرم هایی فرهنگی که از ریشه و فرهنگ ملی و دینی خود جامعه باشد.
_جمع آوری نقوش مسجد کبود تبریز و مسجد شیخ لطف الله اصفهان واجرا برداری و آنالیز آنها.
هدف فرعی که این پژوهش نیز عبارتند از:
_ بررسی دو دوره تاریخی از نظر مکان و جغرافیا و پیشینه ی فرهنگی.
_شناخت اسلیمی و ختایی و آرایه های تریینی.
در مجموع هدف کلی بررسی بصری و جمع آوری نقش مایه های مسجد کبود تبریز و مسجد شیخ لطف الله اصفهان می باشد. این تطبیق و تحلیل نقش مایه ها جهت بهره گیری از قابلیت های بصری نقوش در خلق آثار هنری می باشد.
۱-۶ روش انجام تحقیق و روش گردآوری اطلاعات و ابزار آن
با توجه به قدمت، اهمیت و تاریخی بودن مسجد کبود تبریز و مسجد شیخ لطف الله اصفهان این پژوهش از نوع تاریخی توصیفی بوده و اطلاعات حاصل را از طریق کتابخانه ای و میدانی و با حضور در محل مورد نظر و مشاهده و تجربه شخصی جمع آوری گردیده است. اطلاعات تصویری و نقوش و نقش مایه های جامعه آماری با بهره گرفتن از تکنیک عکاسی با حضور در محل تهیه شده اند. تمامی تصاویر به غیر از آنهایی که منابعشان ذکر شده توسط نگارنده تهیه شده اند. در مرحله ی بعد عکس ها و نقوش نیز با بهره گرفتن از برنامه های گرافیکی آنالیز شده است.

 

۱-۷ پیشینه تحقیق
در هیچ رساله یا کتابی به طور مستقل یا غیر مستقیم این دو بنا که در دو دوره تاریخی متفاوت ساخته شده به این صورت مورد مقایسه قرار نگرفته است.
منابع بسیاری به معرفی این بناها و دوره ی تاریخی پرداخته اند اما این دو بنا را مقایسه نکرده اند. چندی از منابع مورد استفاده عبارتند:

  • ترابی طباطبایی، جمال، نقش ها و نگاره های مسجد کبود تبریز، نشریه موزه آذربایجان شرقی، شماره۴، مهر۱۳۴۸.
  • کیانی، محمدیوسف، تاریخ هنر معماری ایران در دوره اسلامی، چاپ دوم، سازمان مطالعه و تدوین کتب علوم انسانی دانشگاه ها(سمت)، تهران،۱۳۷۷.
  • اپهام پوپ، آرتور و آکرمن، فیلیس و شرودر، اریک، اقتباس و نگارش پرویز ناتل خانلری، شاهکارهای هنر ایران، چاپ سوم، شرکت انتشارات علمی و فرهنگی، تهران، ۱۳۸۳.
  • سلطانزاده،حسین، تبریز خشتی استوار در معماری ایرانی، چاپ اول، چاپ صهبا، تبریز، ۱۳۷۶.